A pesar del tiempo transcurrido y los importantes
cambios sociales que, afortunadamente, ha vivido la sociedad española en los
últimos cincuenta años, El último cuplé
se sigue viendo con agrado si uno deja de lado su mensaje moralizante y
conservador muy propio de su época. Hay que destacar el hecho de que, en su
momento, fue más trasgresor de lo que hoy nos puede parecer y que rompió una
tendencia al folklorismo que empezaba a pesar incluso entre el público
español.
Me detendré pues en esos aspectos novedosos y a la vez
fuertemente atados entre la madeja de lo convencional, para resaltar la
importancia que tuvo esta película en la sociedad española de finales de los
cincuenta. Un dato relevante: El último
cuplé estuvo un año exhibiéndose en los cines y fue un éxito absoluto, del
que hoy nos queda una imagen de Sara Montiel imposible de olvidar. Su
aportación al imaginario popular nos acerca a la cupletista sensual y de un
erotismo exuberante que lleva a los hombres a la perdición.
Pero ¿por qué alcanzó tanto éxito? ¿Qué traía de nuevo
una película basada en canciones populares? Pues precisamente eso: la
popularidad de su música y la representación del lirismo del cuplé y de formas musicales
más tradicionales. Hasta ese momento, el cine español ofrecía básicamente
películas folklóricas y muchos clichés. Juan de Orduña, con El último cuplé, vino a desligarse del
andalucismo folclórico para acercarse al lirismo del cuplé.
La película intenta poner en escena la propia
representación del cuplé. Es decir: desde el principio deja claro que es
representación, cine, y el melodrama que nos cuenta va ligado a la nostalgia y
el sentimentalismo propio de este género musical. Sería algo así como narrar
una película a ritmo de cuplé.
La historia de este film-canción nos acerca a una
mujer, María, que a pesar de su lucha interna por comportarse como “debe”,
acaba haciendo lo que “no debe”. Su deseo más profundo la empuja al éxito, a
los escenarios, a ser alabada y elogiada por el público, lo que la lleva a
dejar a su novio y convertirse en una cantante de renombre. El ascenso social
conlleva un camino de trasgresión que la aleja de sus orígenes y de su
integridad moral. Pero no es algo que ella no haya podido evitar: la puesta en
escena del film nos subraya su culpabilidad, y por eso vemos a una Sara Montiel
tan hermosa, tan sensual, y con unos trajes y un maquillaje tan sumamente
ostentoso. Es decir: su personaje sabía lo que hacía. Belleza y perversión se
dan de la mano y si, además, se trata de una mujer, estamos ante el pecado en
sí mismo.
De esta forma, María camina hacia la inmoralidad a
través del creciente éxito que adquiere dentro y fuera de nuestro país. Triunfa
en América y cuando regresa es “otra”: más perversa y maligna, es decir, más
guapa y atractiva. Y fumando (otra trasgresión más) recostada sobre un diván,
para atraer la mirada de cualquier hombre y llevarlo a la perdición. Una manera
sutil de poner en escena el erotismo inherente a la mujer deseada, con algún
problemilla con la censura, pero nimio, en comparación con el legado que esta
secuencia ha dejado en todos los españoles.
Otra forma llamativa de esquivar la censura y poner en
escena el pecado la encontramos en el momento en que María atrae hacia ella a
José, un joven torero que tiene novia y que acaba rendido a los pies de la
cupletista. Se trata de la escena del patio andaluz, donde hay una cruz de
mayo, testigo (religioso) del adulterio que estamos a punto de constatar. María
y José se miran de forma insinuante y la cámara no deja ver más, salvo esa cruz
a cuyos pies se produce una unión no tan mística como debería… Vemos pues otra
forma de escenificar el pecado (la relación sexual ilícita) que la propia María
ha propiciado (recordemos que ella es mujer, artista, deslumbrante por su
belleza y, por tanto, manipuladora).
Traspasar tanto los límites no puede traer nada bueno,
y el film, como cualquier cuplé, realiza una mirada nostálgica al pasado (de
hecho, la película es un flasback)
para recordarle a María (y, a la postre, a nosotros, que nos identificamos con
su mirada) que cualquier tiempo anterior fue mejor y que nuestros anhelos de
cambio nos perjudicarán seriamente. A pesar de los pecados cometidos, existe el
perdón para María, que acaba llorando sobre el escenario en una escena de un
lirismo exultante y emotivo que acaba con su muerte. Baja el telón y se acaba
la representación.
Juan de Orduña construyó así un film que aúna las
diferentes formas de tradición musical española, para plasmar su evolución y ser
tan conservador como el resto de la filmografía de la época. Sin embargo,
intenta traspasar el límite de la moralidad, de acercarse a temas tabú como el
sexo, el adulterio, el ascenso social o la libertad de la mujer. Es evidente
que lo hace de forma sutil y sin sonrojos. Pero para los censores de la época
ver a Sara Montiel fumando tuvo que traerles de cabeza porque ¿como explicarse
lo que se siente viéndola así sin llegar a mostrarse el pecado? Algo se
imaginaban y algo de censura hubo, pero nada ha podido con ella que, aunque se haya ido, su imagen seguirá tan despierta y tan viva como aquella María. Su personaje la ha
acompañado en vida y, a pesar de que en el film la vemos caer desfallecida,
todos sabemos que su espíritu pervivirá en la “saritísima” y que la
trasgresión que representa, sin ser consciente su director (o siéndolo, quién
sabe), no ha podido aún ser destruida. Por siempre, Sara.
